История электронной музыки и лучшие современные сторонники современности!

История электронной музыки предшествует эпохе рок-н-ролла десятилетиями. Большинство из нас даже не было на этой планете, когда началось ее неясное, недооцененное и неправильно понятое развитие. Сегодня этот «другой мирской» звук, который начался около столетия назад, может больше не казаться странным и уникальным, поскольку новые поколения воспринимают его как мейнстрим, но он имеет ухабистую дорогу и, находя массовое признание аудитории, медленный.

Многие музыканты — современные сторонники электронной музыки — развили страсть к аналоговым синтезаторам в конце 1970-х и начале 1980-х годов с такими авторскими песнями, как прорыв Гари Нумана «Are Friends Electric?». Именно в эту эпоху эти устройства стали меньше, доступнее, удобнее и доступнее для многих из нас. В этой статье я попытаюсь проследить эту историю в легко усваиваемых главах и приведу примеры лучших современных сторонников сегодняшнего дня.

На мой взгляд, это было началом новой эпохи. Чтобы создавать электронную музыку, больше не было необходимости иметь доступ к комнате с технологиями в студии или вживую. До сих пор это было исключительно делом художников, таких как Kraftwerk, чей арсенал электронных инструментов и нестандартных гаджетов, о котором остальные из нас могли только мечтать, даже если бы мы могли понять логистику их функционирования. Сказав это, в то время, когда я рос в 60-х и 70-х годах, я, тем не менее, мало знал о сложности работы, которая установила стандарт в предыдущие десятилетия для достижения этой точки.

История электронной музыки обязана много Карлхайнцу Штокхаузену (1928-2007). Стокхаузен был немецким композитором Аванте Гарде и новатором в электронной музыке с 1950-х годов, оказывая влияние на движение, которое в конечном итоге окажет мощное влияние на такие имена, как Kraftwerk, Tangerine Dream, Brain Eno, Cabaret Voltaire, Depeche Mode, не говоря уже о экспериментальные работы "Битлз" и др. в 1960-х гг. Его лицо видно на обложке "Клуба Одиноких Сердец сержанта Пеппера", опус Битлз 1967 года. Давайте начнем, однако, с того, что путешествуем немного назад во времени.

Поворот 20-го века

Время остановилось для этого наблюдателя, когда я впервые обнаружил, что первый документально подтвержденный, исключительно электронный, концерты были не в 1970-х или 1980-х, а в 1920-х годах!

Первый чисто электронный инструмент, «Термен», на котором играют без прикосновения, был изобретен русским ученым и виолончелистом Львом Терменом (1896–1993) примерно в 1919 году.

В 1924 году Термен дебютировал с Ленинградской филармонией. Интерес, вызванный терменом, привлек аудиторию к концертам, организованным по всей Европе и Британии. В 1930 году в престижном Карнеги-холле в Нью-Йорке было проведено представление классической музыки, в котором использовалась только серия из десяти терменов. Наблюдение за тем, как многие опытные музыканты играют на этом жутком звучащем инструменте, размахивая руками вокруг его антенн, должно быть, было так волнующе, сюрреалистично и чуждо для аудитории до технологий!

Для тех, кто заинтересован, посмотрите записи виртуоза Теремина Клары Рокмор (1911-1998). Родившийся в Литве Рокмор (Райзенберг) работал с его изобретателем в Нью-Йорке, совершенствуя инструмент в первые годы его существования, и стал его самым известным, блестящим и признанным исполнителем и представителем на протяжении всей своей жизни.

В ретроспективе Клара была первой знаменитой «звездой» 'подлинной электронной музыки. Вы вряд ли найдете более жуткие, но красивые выступления классической музыки на Термене. Она определенно моя любимая!

Электронная музыка в науке, кино и телевидении

К сожалению, и в основном из-за трудностей в освоении навыков, будущее Термена как музыкального инструмента было недолгим , В конце концов, она нашла свою нишу в научно-фантастических фильмах 1950-х годов. Классический фильм 1951 года «День, когда Земля остановилась», со звуковым сопровождением влиятельного американского композитора музыки к фильмам Бернарда Германа (известного как «Психо» Альфреда Хичкока и т. Д.), Богат внеземным счетом с использованием двух Терменов и других. электронные устройства, слитые с акустической аппаратурой.

Используя технологию вакуумных трубок Термена, французский виолончелист и радиотелеграфист Морис Мартено (1898-1980) начал разработку Ondes Martenot (по-французски, известного как волна Мартено). в 1928 году.

Используя стандартную и знакомую клавиатуру, которую музыкант мог легко освоить, инструмент Мартено преуспел в том, что Термен не сумел стать удобным для пользователя. Фактически, он стал первым успешным электронным инструментом, который использовался композиторами и оркестрами своего периода до сегодняшнего дня.

Он показан на тему оригинального телесериала 1960-х годов «Звездный путь», и его можно услышать на современные записи, подобные Radiohead и Брайану Ферри.

Выразительный мультитембральный Ondes Martenot, хотя он и является однотонным, является самым близким инструментом своего поколения, который я слышал и который приближается к звучанию современного синтеза.

«Запретная планета» , выпущенный в 1956 году, был первым крупным коммерческим студийным фильмом, в котором использовался исключительно электронный саундтрек … кроме того, что он представил Робби Робота и потрясающую Анну Фрэнсис! Новаторская оценка была произведена командой мужа и жены Луи и Беби Баррон, которые в конце 1940-х годов создали первую в США частную студию звукозаписи, записывающую электронных экспериментальных исполнителей, таких как культовый Джон Кейдж (чья собственная работа Аванте Гарде оспаривалась само определение музыки!).

Бэрронс, как правило, зачисляют за расширение применения электронной музыки в кино. Паяльник в одной руке, Луи построил схему, которой он манипулировал, чтобы создать множество причудливых, «неземных» эффектов и мотивов для фильма. После выполнения эти звуки не могли быть воспроизведены, поскольку схема преднамеренно перегружалась, выкуривала и выгорала для получения желаемого звукового результата.

Следовательно, все они были записаны на ленту, и Бебе отсеивала часы, отредактированные, что считалось пригодным для использования. затем повторно манипулировал ими с задержкой и реверберацией и творчески переименовал конечный продукт, используя несколько кассетных колод.

В дополнение к этому кропотливому методу работы, я чувствую себя обязанным включить то, что, возможно, является наиболее устойчивым и влиятельным электронным телевидением Подпись навсегда: тема долгожданной британской научно-фантастической серии приключений 1963 года «Доктор Кто». Это был первый раз, когда телесериал был посвящен исключительно электронной теме. Тема «Доктор Кто» была создана в легендарной радиофонической мастерской BBC с использованием ленточных петель и тестовых осцилляторов для прохождения эффектов, записи их на ленту, а затем повторного манипулирования и редактирования другой пионером Electro, Делией Дербишир, интерпретирующей композицию. Рона Грейнера.

Как вы можете видеть, распространенное использование электронной музыки в винтажном Sci-Fi было основным источником восприятия широкой публикой этой музыки как «иного мирского» и «чуждого звучанию». Так продолжалось по крайней мере до 1968 года, когда был выпущен хит-альбом «Switched-On Bach», полностью исполняемый на модульном синтезаторе Moog Уолтером Карлосом (который с несколькими хирургическими прижимами и защипами впоследствии стал Венди Карлос). [19659002] 1970-е расширили профиль электронной музыки с прорывом таких групп, как Kraftwerk и Tangerine Dream, и особенно в 1980-х годах, когда она нашла более широкое признание.

Середина 1900-х: Musique Concrete

В своем В течение 1900-х годов электронная музыка не ограничивалась исключительно электронными схемами, которые использовались для создания звука. Еще в 1940-х годах относительно новое немецкое изобретение — катушечный магнитофон, разработанный в 1930-х годах, — стало предметом интереса для ряда европейских композиторов Аванте Гард, в частности, для французского радиовещателя и композитора Пьера Шеффера (1910). -1995), который разработал технику монтажа, которую он назвал Musique Concrete.

Musique Concrete (что означает «звуки реального мира», а не искусственные или акустические звуки, издаваемые музыкальными инструментами), широко включал в себя соединение записанных сегментов ленты, содержащей « найденные звуки — естественные, природные, промышленные и человеческие — и манипулирование ими с такими эффектами, как задержка, реверберация, искажение, ускорение или замедление скорости ленты (с переменной скоростью), реверсирование и т. д.

Стокхаузен фактически проводил концерты с использованием его Musique Concrete работает в качестве бэк-ленты (на этом этапе в записи использовались электронные звуки, а также звуки «реального мира»), поверх которых исполнялись живые инструменты классические игроки реагируют на настроение и мотивы, которые они слышат!

Musique Concrete оказал большое влияние не только на Avante Garde и библиотеки эффектов, но также и на современную музыку 1960-х и 1970-х годов. Важные работы, которые нужно проверить, это использование Beatles этого метода в таких революционных треках, как «Tomorrow Never Knows», «Revolution No. 9» и «Being for the Benefit of Mr. Kite», а также в альбомах Pink Floyd «Umma». Гамма "," Темная сторона луны "и" Кусковая подливка "Фрэнка Заппы. Все использованные нарезки ленты и самодельные ленточные петли часто подаются в прямом эфире в основное микширование.

Сегодня это можно сделать с простотой, используя цифровую выборку, но вчерашние герои трудились часами, днями и даже неделями, чтобы, возможно, завершить четыре минуты кусок! Для тех из нас, кто является современными музыкантами, понимание истории электронной музыки помогает оценить технологию квантового скачка, предпринятую в последнее время. Но эти ранние новаторы, эти первопроходцы, которых гораздо больше в будущем, и важные фигуры, на которых они повлияли, до нас дошли, создали революционную основу, которая стала нашим электронным музыкальным наследием сегодня, и за это я воздаю им должное! [19659002] 1950-е годы: первый компьютер и синтезаторная музыка

Перенесемся на несколько лет вперед к 1957 году и введем первый компьютер в электронный микс. Как вы можете себе представить, это был не совсем портативный ноутбук, но он занимал целую комнату, а удобство использования даже не было концепцией. Тем не менее, творческие люди продолжали раздвигать границы. Одним из них был Макс Мэтьюз (1926) из Bell Telephone Laboratories, Нью-Джерси, который разработал Music 1, оригинальную музыкальную программу для компьютеров, в основе которой лежит весь последующий цифровой синтез. Мэтьюз, получивший название «Отец компьютерной музыки» с использованием цифрового мэйнфрейма IBM, был первым, кто синтезировал музыку на компьютере.

В кульминации фильма Стэнли Кубрика «68: космическая одиссея »1968 года используются электронное исполнение Mathews в 1961 году песни конца девятнадцатого века «Daisy Bell». Здесь музыкальное сопровождение исполняется его запрограммированным мэйнфреймом вместе с синтезированной на компьютере человеческой «поющей» голосовой техникой, впервые примененной в начале 60-х годов. В фильме, как HAL компьютер регрессирует, «он» возвращается к этой песне, дань уважения «его» своим собственным происхождениям.

1957 также стал свидетелем первого усовершенствованного синтезатора, RCA Mk II Sound Synthesizer (улучшение по сравнению с 1955 оригинал). Он также оснащен электронным секвенсором для программирования воспроизведения музыки. Этот массивный RCA Synth был установлен и до сих пор остается в Центре электронной музыки Колумбии-Принстона в Нью-Йорке, где некоторое время работал легендарный Роберт Муг. Университеты и технические лаборатории были основным домом для экспериментов с синтезатором и компьютерной музыкой в ​​ту раннюю эпоху.

1960-е годы: рассвет эпохи Муга

Логистика и сложность создания и даже доступа к ним до того времени, когда музыканты были недружественными синтезаторами, возникла потребность в более портативных играемых инструментах. Одним из первых, кто откликнулся и определенно был самым успешным, был Роберт Муг (1934-2005). В его воспроизводимом синтезаторе использовалась знакомая клавиатура в стиле пианино.

Модульный синтезатор с громоздкими кабельными телефонами оператора Moog нельзя было транспортировать и настраивать с какой-либо легкостью или скоростью! Но он получил огромный прирост популярности благодаря успеху Уолтера Карлоса, как упоминалось ранее, в 1968 году. Его альбом бестселлеров LP (Long Player) "Switched-On Bach" был беспрецедентным, потому что это был первый раз, когда альбом появился полностью синтезированная музыка, в отличие от экспериментальных звуков.

Альбом представлял собой сложное исполнение классической музыки с различными необходимыми мультитреками и наложениями, поскольку синтезатор был только однотонным! Карлос также создал электронную партитуру для "A Clockwork Orange", тревожного футуристического фильма Стэнли Кубрика 1972 года.

С этого момента синтезатор Moog широко распространен на ряде современных альбомов конца 1960-х годов. В 1967 году Monkees "Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd" стали первым коммерческим выпуском поп-альбома с модульным Moog. На самом деле певец / барабанщик Микки Доленц приобрел одно из первых проданных устройств.

Однако только в начале 1970-х годов, когда появился первый Minimoog, интерес к музыкантам серьезно возрос. Это портативное устройство с толстым звуком оказало значительное влияние и на многие годы стало частью набора живой музыки для многих гастролирующих музыкантов. Другие компании, такие как Sequential Circuits, Roland и Korg, начали выпускать свои собственные синтезаторы, породив музыкальную субкультуру.

Однако я не могу закрыть главу о 1960-х годах без ссылки на Mellotron. Этот электронно-механический инструмент часто рассматривается как примитивный предшественник современного цифрового сэмплера.

Разработанный в начале 1960-х годов в Великобритании и основанный на Чемберлине (громоздком американском инструменте предыдущего десятилетия), клавиатура Mellotron сработала заранее. записанные кассеты, каждая клавиша которых соответствует эквивалентной ноте и высоте звука предварительно загруженного акустического инструмента.

Mellotron является легендарным благодаря его использованию в песне Beatles 1966 года «Strawberry Fields Forever». Лента с флейтовой кассетой используется во вступительном слове, сыгранном Полом Маккартни.

Популярность инструмента выросла и использовалась во многих записях эпохи, таких как чрезвычайно успешный эпический фильм Moody Blues «Ночи в белом атласе». 1970-ые видели, что это приняло все больше прогрессивных рок-групп. Пионеры электроники Tangerine Dream включили его в свои ранние альбомы.

Со временем и дальнейшим прогрессом в технологии микрочипов, этот очаровательный инструмент стал пережитком своего периода.

1970-е годы: рождение старинных электронных групп

Ранние текучие альбомы Tangerine Dream, такие как "Phaedra" от 1974 года и работы Брайана Ино с его собственной "эмбиентной музыкой" и над альбомом Дэвида Боуи "Heroes", еще больше заинтересовали синтезатор как у музыкантов, так и у музыкантов. зрители.

Kraftwerk, чей оригинальный альбом 1974 года "Autobahn" достиг международного коммерческого успеха, продвинулся еще дальше, добавив точность, пульсирующие электронные удары и ритмы и возвышенные синтезаторные мелодии. Их минимализм предполагал холодный, индустриальный и компьютеризированный городской мир. Они часто использовали вокодеры и устройства синтеза речи, такие как великолепный роботизированный голосовой эмулятор «Говори и Заклинай», который является детским учебным пособием!

Вдохновленный экспериментальными электронными работами Стокхаузена, как художники, Крафтверк был первым, кто удачно объединить все элементы музыки и шума, генерируемых электронным способом, и создать легко узнаваемый формат песни. Добавление вокала во многие их песни, как на их родном немецком, так и на английском языках, помогло им завоевать всеобщее признание и стать одним из самых влиятельных пионеров и исполнителей современной музыки за последние полвека.

Драгоценный камень Kraftwerk 1978 года 'Das Modell 'попал на первое место в Великобритании с переизданной англоязычной версией' The Model 'в феврале 1982 года, что сделало его одним из самых ранних топов Electro Chart!

Однако, по иронии судьбы, потребовалось движение, которое не имело отношения к EM (электронная музыка), чтобы способствовать его широкому распространению. Панк-движение середины 1970-х годов, главным образом в Британии, принесло с собой уникальную новую позицию: тот, который отдавал приоритет самовыражению, а не ловкости исполнения и формальному обучению, воплощенному современными прогрессивными рок-музыкантами. Первоначальная агрессия металлического панка превратилась в менее абразивную форму в конце 1970-х годов: Новая волна. Это, в сочетании со сравнительной доступностью многих небольших, простых в использовании синтезаторов, привело к коммерческому взрыву синтезаторов в начале 1980-х годов.

Новое поколение молодых людей начало исследовать потенциал этих инструментов и стало создавать сложные звуковые ландшафты. преобладающая перспектива современной музыки. Это не прибыло без боевых шрамов все же. Учреждение музыкальной индустрии, особенно в средствах массовой информации, часто высмеивало эту новую форму выражения и представления и стремилось поставить ее на свалку истории.

1980-е годы: первая золотая эра электронной музыки для масс

Гари Нуман стал, возможно, первым коммерческим синтезатором мегазвезд с хитом 1979 года "Tubeway Army" "Are Friends Electric?". Элемент Sci-Fi еще раз не слишком далеко. Некоторые изображения взяты из классической научной фантастики «Мечтают ли Андроид об электрических овцах?». Хит-фильм 1982 года «Бегущий по лезвию лезвия» также был основан на той же книге.

Хотя «Friends Friends?» Показанный обычным ударом барабана и баса, его доминирующее использование Polymoogs дает песне ее очень отличительный звук. Эта запись стала первым релизом на основе синтезатора, который достиг пост номер один в Великобритании в постпанк-годы и помог открыть новый жанр. Больше не было электронной и / или синтезаторной музыки, отодвинутой на обочину. Захватывающе!

Дальнейшие разработки в области доступных электронных технологий полностью передали электронику в руки молодых авторов и начали преобразовывать профессиональные студии.

Разработанный в Австралии в 1978 году, Fairlight Sampler CMI стал первым коммерчески доступным полифоническим цифровым инструментом семплирования, но из-за его запредельной стоимости его использовали только такие люди, как Тревор Хорн, Стиви Уандер и Питер Габриэль. Однако к середине десятилетия на рынке появились более дешевые и дешевые инструменты, такие как вездесущие сэмплеры Akai и Emulator, часто используемые музыкантами вживую для воспроизведения своих записанных в студии звуков. С этого момента Sampler произвел революцию в производстве музыки.

На большинстве крупных рынков, за исключением США, начало 1980-х было коммерчески привлечено к исполнителям с электро-влиянием. Это была захватывающая эпоха для многих из нас, включая меня. Я знаю, что не был одинок в том, чтобы закрыть искаженную гитару и усилители и погрузиться в новую вселенную музыкального самовыражения — звуковой мир абстрактного и нетрадиционного.

Дома, австралийские синтезаторы Real Life ('Send) «Me An Angel», альбом «Heartland», Icehouse («Hey Little Girl») и Pseudo Echo («Funky Town») начали составлять карты на международном уровне, и более экспериментальные электронные костюмы, такие как Severed Heads и SPK, также разработали культовые последователи за рубежом [19659002] Но к середине десятилетия первая глобальная электронная волна утратила свой импульс на фоне сопротивления, вызванного неослабевающими музыкальными СМИ старой школы. Большинство артистов, которые начинали десятилетие в основном на основе электро, либо дезинтегрировали, либо сильно гибридизировали свой звук с традиционными рок-инструментами.

США, крупнейший во всех отношениях мировой рынок, оставались в консервативных музыкальных крыльях большую часть 1980-х годов. , Хотя основанные на синтезе записи действительно попали в американские чарты, первым из которых стал американский топ-чартер Human League 1982 года «Разве ты не хочешь меня, детка?», В целом должно было пройти еще несколько лет, прежде чем американский мейнстрим охватил электронную музыку, в этот момент он утвердился в качестве доминирующего жанра для музыкантов и зрителей во всем мире.

1988 был несколько переломным годом для электронной музыки в США. Зачастую в прессе клеветая на прессу, именно Depeche Mode непреднамеренно — и в большинстве своем не подозревали — возглавили это новое нападение. Начиная с культового статуса в Америке в течение большей части десятилетия, их новое ротационное выступление на радио, которое теперь называлось Modern Rock, привело к мега-стадионным выступлениям. В то время Electro, играющий аншлаговые арены, не был обычным явлением в США!

В 1990 году в Нью-Йорке фанатский пандемониум, чтобы поприветствовать участников в центральном магазине звукозаписей, сделал телевизионные новости, а их альбом "Violator" продал Madonna и принц в том же году сделал их именем нарицательным в США. Без сомнения, электронная музыка осталась здесь!

Начало 90-х: вторая золотая эра электронной музыки для масс

До того, как наша «звездная музыка» закрепилась в мейнстриме США, и в то время как в течение большей части середины 1980-х годов он терял коммерческие позиции в других местах, Детройт и Чикаго стали непритязательными лабораториями для взрыва электронной музыки, которая переживет большую часть 1990-х годов и далее. Войди в Техно и Хаус.

Детройт в 1980-х, индустриальная пустошь в США после фордизма, произвел техно под сильным влиянием Европы. В начале и середине 80-х Детройтер Хуан Аткинс, одержимый фанат Kraftwerk, вместе с Дерриком Мэй и Кевином Сондерсоном — используя примитивное, часто заимствованное оборудование — сформировал основу того, что вместе с Хаусом станет доминирующей культурой музыкального клуба на протяжении всей истории. мир. Художники, на которых основательно ссылались, которые сообщили о раннем развитии Техно, были европейскими пионерами, такими как вышеупомянутый Kraftwerk, а также Yello и British Electro, такие как Depeche Mode, Human League, Heaven 17, New Order и Cabaret Voltaire.

Чикаго, четыре Час езды, одновременно увидели развитие дома. Обычно считается, что название происходит от «The Warehouse», где различные DJ-продюсеры представили эту новую музыкальную амальгаму. Хаус берет свое начало с дискотеки 1970-х годов и, в отличие от Техно, обычно имеет какую-то вокальную форму. Я думаю, что работа Джорджио Мородера в середине 70-х с Donna Summer, особенно песня «I Feel Love», является ключевой в оценке влияния диско 70-х на расцвет Чикагского Дома.

С тех пор появилось множество вариантов и поджанров — пересечения Атлантика, переработанная и обратно — но во многом популярный успех этих двух основных форм оживил весь Электронный ландшафт и связанную с ним социальную культуру. Техно и Хаус помогли бросить вызов мейнстриму и альтернативному року как предпочтительному варианту прослушивания для нового поколения: поколения, которое выросло на электронной музыке и принимает ее как данность. Для них это всегда была музыка.

История электронной музыки по-прежнему пишется по мере развития технологий, и ожидания людей в отношении того, куда музыка может идти, продолжают продвигать ее вперед, увеличивая ее словарный запас и словарный запас.

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *